Es ist zutiefst inspirierend, in der Gegenwart einer Person zu sein, die von einem Schub an Motivation oder Einfallsreichtum durchdrungen ist. Obwohl Inspiration kultiviert werden kann, bleibt sie eine begrenzte Ressource. Selten erscheint sie, wenn man sie am dringendsten benötigt, und wenn sie eintritt, kann sie flüchtig sein.
O’Keeffe, die kürzlich ihr erstes Kind zur Welt gebracht hat, versteht nur zu gut die Frustration über das schlechte Zeitmanagement der Inspiration. „Maia schläft höchstens 25 Minuten. Nicht verhandelbare Übungszeit existiert nicht mehr.“ Und genau wie Babys hält sich die Inspiration selten an deinen Zeitplan. Sie erscheint sicherlich nicht immer während der Mittagsschlafzeit, egal wie sehr man bittet.
Bei meiner Ankunft führt sie mich in ihr sonnenbeschienenes Wohnzimmer und deutet auf einen großen Esstisch, auf dem eine einladende Sammlung neuer und in Arbeit befindlicher Zeichnungen ausgebreitet ist. Sanfte, geschwungene Körper baden im Maienlicht, das durch die Fenster strömt. Bleistifte und Bücher über figurative Kunst sind zwischen den Werken verstreut und geben Hinweise auf ihren kreativen Prozess.
Auf strukturiertem, milchweißem Papier liegen metallische, üppige Formen. „Drapiert“ könnte Passivität implizieren, aber diese Körper sind alles andere als passiv. Sie strahlen Entschlossenheit aus, eine Sicherheit in ihrer Positionierung, die bestimmt wirkt, ohne konfrontativ zu sein.
O’Keeffe, die klassisch ausgebildet ist, nennt Jenny Saville als Einfluss, was sich in der expressiven Qualität ihrer Linienführung und der Körperlichkeit ihrer Formen zeigt. Doch im Gegensatz zu Savilles oft viszeralen, schlachthofartigen Darstellungen von Fleisch sind O’Keeffes voluminöse Figuren nicht gequetscht oder verschmiert, sondern ruhig zurückgelehnt. Man könnte sagen, sie sind weniger auf Provokation als auf Präsenz ausgerichtet.
Eines der ersten Dinge, die mir auffallen, abgesehen von der offensichtlichen Nacktheit, ist ihre Stille. Trotz ihrer Offenheit drängen sich die Körper nicht auf, um zu schockieren oder herauszufordern. Ganz im Gegenteil. Sie sind sinnlich, aber nicht anstößig, einladend, aber ohne Zwang. Wenn überhaupt, beruhigen und trösten sie; man möchte sich in ihrer Leichtigkeit verlieren.
O’Keeffe arbeitet seit mehreren Jahren mit denselben Aktmodellen. Während des Lockdowns, als persönliche Sitzungen nicht mehr möglich waren, wechselte sie zu Online-Zeichenkursen. Dort traf sie Frauen aus so entfernten Regionen wie Südamerika, viele von ihnen zeichnet und studiert sie noch heute.
Auf die Frage, warum sie größere Körper darstellt, erklärt O’Keeffe, dass ihre Arbeit weniger um Repräsentation als um Ehrlichkeit geht. „Wir wissen wirklich nicht mehr, wie ein normaler Körper aussehen sollte. Wir werden bombardiert mit bearbeiteten, photoshoppten Körpern in sozialen Medien, auf Plakatwänden und in Werbungen. Und erschreckenderweise sind einige dieser Körper nicht einmal real! Sie sind KI-generiert. Wir sind in den Medien oder der Online-Welt nicht normalen, ehrlichen Körpern ausgesetzt. Wir sehen ihre Kanten, ihre Rauheit, Beulen oder Linien nicht.“
Neben Saville haben auch andere kunsthistorische Ansätze O’Keeffes Arbeit beeinflusst; die emotionale Tiefe von Rembrandt und die unorthodoxen Studien von Rodin, beide bekannt für ihre Weigerung, die menschliche Form zu idealisieren. Wie Rodin, der die rohe, ursprüngliche Natur seiner Subjekte einfing, und Rembrandt, dessen Porträts ganze Lebenszeiten in einem einzigen Blick zu halten scheinen, streben O’Keeffes Figuren danach, etwas Inneres, etwas Gelebtes auszudrücken. „Ich befinde mich in einem ständigen Zustand des Wandels zwischen dem Wunsch, reale, zelluläre Darstellungen von Haut und Textur zu schaffen, und dem Bedürfnis, die organische, angeborene, manchmal rohe Erfahrung des Menschseins darzustellen.“
Jahrelang war ihre größte künstlerische Herausforderung, „Seele und Menschlichkeit“ in ihre Kompositionen einzuladen. O’Keeffe gibt zu, dass es eine Zeit gab, in der ihre Figuren etwas flach und leblos wirkten, sogar zweidimensional, etwas, das sie nicht genau benennen konnte. Erst während einer transformativen gemeinsamen Residenz mit R.A.R.O in Barcelona und OpenBach in Paris (die mit einer Ausstellung in der Yellow Cube Gallery, Paris, endete) fand sie heraus, dass sie ihren Porträts einen Puls verleihen konnte. „Jetzt weiß ich, wann ein Werk fertig ist, weil es sich anfühlt, als hätte es eine Seele. Es hat einen Herzschlag. Ich möchte, dass sie sich real anfühlen.“
Das Wichtigste für O’Keeffe ist, dass diese Figuren nicht nur Nachbildungen sind, sondern dass sie lebendig wirken. „Es geht nicht um Naturalismus. Es geht darum, etwas Wesentliches über das Leben in einem weiblichen Körper heute einzufangen. Die Unbeholfenheit. Die Stärke. Die Sanftheit. Die Spannung.“ Ihr Einsatz von trockenen Materialien wie Graphit, Kohle und Pastell betont zusätzlich den intimen und unmittelbaren Zustand, den ihre Arbeit darstellt.
O’Keeffe arbeitet derzeit an einer neuen Serie größerer, ambitionierterer Porträts und gestikuliert mit einer enthusiastischen, weitreichenden Bewegung, die den Umfang ihrer Vision veranschaulicht. „Ich möchte, dass meine Arbeit und diese Frauen mehr Raum einnehmen“, manifestiert sie. „Ich möchte tiefere Gespräche über Selbstbewusstsein und Identität anregen und weiterhin zur laufenden Neudefinition beitragen, wie wir den weiblichen Körper sehen.“
Diese Frauen scheinen in einem Moment eingefangen zu sein, in dem sie einfach ihre eigene Gesellschaft genießen. Im Nachhinein erkenne ich, dass das, was ich beim Betrachten empfand, eine Art Sehnsucht war, ein Verlangen, mich so wohl in meinem Körper zu fühlen, dass ich mich ebenfalls ungestört in ihm aufhalten könnte, wie in einem seidigen Gewand gehüllt und von der Sonne gewärmt.