Interview mit Steph Goodger: Räume, ihre Geschichte und die Spuren von Ereignissen evozieren

Steph Goodger ist eine preisgekrönte expressionistische Malerin, die großformatige Werke zur Sozialgeschichte, Architektur und Literatur schafft. Zu den wiederkehrenden Themen gehören Konfliktzonen, Kriegsschauplätze, die menschliche Erfahrung von Konflikten und deren materielle, soziale und individuelle Folgen. Steph erforscht auch die Auswirkungen von Traumata und deren vielfältige Erscheinungsformen auf der Erde.

Wie würden Sie die Kunst beschreiben, die Sie schaffen?

Meine Bilder evozieren Räume und ihre Geschichte, ihre Atmosphären und die Spuren von Ereignissen. Die Malerei ist auch eine Erkundung der immersiven Welt der Phantasie. Die Freiheit und Formbarkeit des Bildraumes ist für mich ein Spiegelbild unserer Fähigkeit, geistige Reisen zu unternehmen, durch tiefe Innenräume zu gehen oder ins Leere, das Unbekannte zu navigieren, in der Zeit vor und zurück zu gehen und zwischen Innen und Außen zu vermitteln.

Mein Hauptmedium ist die Ölmalerei auf Leinwand. Ich mache auch Collagen, Modelle, Aquarelle und zeichne ständig. Allerdings sind diese im Allgemeinen eher Mittel zum Zweck, um zu malerischen Lösungen zu gelangen, als Selbstzweck.

Erzählen Sie uns ein wenig über die Inspiration für Ihre Praxis

Mit 16 Jahren ging ich auf die Kunstschule und begann mehr oder weniger sofort zu malen. Dort gab es einige hervorragende Lehrer, die mir die Augen und den Geist für die weite Welt der Malerei öffneten. Ich war damals zu unreif, um mit der Malerei etwas zu sagen zu haben, aber ich verstand ihr Potenzial. Meine Beschäftigung mit der Sozialgeschichte kam erst viel später. Damals habe ich weder gelesen noch bin ich zu Vorlesungen gegangen, außer zum Schlafen. Was für eine Verschwendung!

Was/wer sind Ihre wichtigsten Einflüsse?

Das konstruierte Chaos der epischen Landschaften von Paul Nash als Kriegsmaler im Ersten Weltkrieg. Die Interieurs von Walter Sickert mit ihren seltsamen Grenzperspektiven auf einsame Räume oder überfüllte Theater. Das waren in letzter Zeit meine größten Einflüsse auf die Malerei. Davor Anselm Kiefers Parsifal-Zyklus, der sein Atelier in ein mythisches Reich verwandelt, Otto Dix' Radierungen Der Krieg und die Dada-Collage. Auch die Landschaften von Hokusai wegen ihrer luftigen Weite, kombiniert mit schwebenden, schweren Massen.

Literatur und Poesie sind für mich ebenso einflussreich. Wichtige Referenzen stammen von Dante, Shakespeare, Zola, T. S. Eliot und Camus. Gaston Bachelard und Walter Benjamin haben mich in jüngster Zeit auf neues Terrain geführt, was das Phänomen des Raums in der Vorstellung betrifft. Auch Roland Barthes ist eine wichtige Referenz für die Fotografie.

Wie kommen Sie auf die Ideen für Ihre Kunstwerke?

Ich beziehe viel aus der Sozialgeschichte und den fotografischen Aufzeichnungen, um die Räume und Umgebungen zu finden, die in die Gemälde einfließen. Bevor ich den Pinsel in die Hand nehme, muss ich viel lesen und in Archiven stöbern.  Ich führe eher Notizbücher als Skizzenbücher, in denen ich kleine Zeichnungen mit Feder und Bleistift anfertige, wie visuelle Notizen.

Oft gibt es eine Verschmelzung zwischen den physischen Bildern, die ich vorfinde, und Bildern, die durch Literatur oder Poesie hervorgerufen werden. Diese Verschmelzungen werden in den kleinen, krakeligen Zeichnungen in meinen Notizbüchern ausgearbeitet, bis ich beginne, mir den Akt des Malens vorzustellen.

Wie hat sich Ihre Praxis in den letzten Jahren entwickelt?

Ich habe immer in Serien gearbeitet und ein Thema auf verschiedene Weise entwickelt, bis ich das Gefühl hatte, es auszuschöpfen. Bei der jüngsten Serie Lusitania jedoch, die von den Kabinen der ersten Klasse der untergegangenen RMS Lusitania inspiriert ist, nehme ich mir mehr Zeit, um die Räume zu erkunden und tiefer in die Gemälde selbst einzudringen. Die Serie umfasst bisher 21 Gemälde. Jedes von ihnen ist eine kleine Welt für sich, die mit den anderen in Verbindung steht. Es gibt keinen Gesamtplan für die Serie, keinen Anfang, keine Mitte und kein Ende. Ich nehme an, dass ich lerne, den Dingen ihre Form zu geben und sie so sein zu lassen, wie sie sind.

Wie sieht ein durchschnittlicher Tag in Ihrem Studio aus?

Mein Atelier besteht aus mehreren Räumen. Es gibt einen großen Bürobereich, den ich mit anderen Künstlern, Illustratoren, Grafikdesignern, Musikern und einem Kunsthistoriker teile. Dann gibt es noch das große Malatelier, das ich mir mit einem anderen Künstler teile.

Normalerweise gehe ich direkt in das Malatelier. Es sei denn, ich befinde mich in einer Phase, in der ich einen Vorschlag oder einen Artikel schreibe oder an der Werbung und den Veröffentlichungen in den sozialen Medien arbeite; in diesem Fall meide ich das Malatelier ganz und mache direkt weiter. Die Nachmittage verlaufen in etwa gleich. Ich bin auch dafür bekannt, dass ich nach dem Mittagessen ein langes Nickerchen auf dem Bürosofa mache.

Wie gehen Sie vor, um jedes Werk zu schaffen?

Bevor ich mit einem Gemälde beginne, lege ich Fotokopien von Fotos, Skizzen aus meinem Notizbuch und manchmal Aquarelle als Referenz aus. (Aquarelle sind eine weitere neue Entwicklung in meiner Praxis, seit den Sperrungen der Covids).

Ich arbeite mit Ölfarbe, ungiftigen Verdünnungsmitteln, Ölen und Medien. Manchmal beginne ich damit, die Oberfläche mit einer dünnen Farbschicht zu bedecken, in die ich dann mit einem kleinen Pinsel, der mit trockener, dickerer Farbe beladen ist, hineinzeichne; ich lasse die Farbe auslaufen und wische die Stellen dann mit einem Tuch ab. In anderen Fällen male ich mit dem Pinsel direkt auf die trockene Struktur der Leinwand und füge dann mit einem größeren Pinsel einen flüssigeren Farbauftrag hinzu, um mit ihr zu interagieren.

Ich versuche immer, das Bild zu entdecken, es mit Hilfe der Farbe zu erforschen und es nicht einfach anhand von Skizzen oder Fotos zu markieren. Es geht darum, das Unerwartete zu erwarten und in ständiger Verhandlung mit der Farbe zu bleiben.

Wer sind einige Rise Art-Künstler, deren Werke Ihnen derzeit gefallen?

Zu den Künstlern, die mir in letzter Zeit besonders gut gefallen haben, gehören unter anderem Jonathan Alibone, Keith Ashcroft, Day Bowman, Robbie Bushe, Michael Coppelov, Michele Fletcher, Paula Macarthur, Enzo Marra, Kate McCrickard und Clare Thatcher.

Arbeiten Sie derzeit an spannenden neuen Projekten?

Ich freue mich sehr, dass ich für die Brewers Towner International im Towner Eastbourne ausgewählt wurde, die vom 15. Oktober bis zum 22. Januar 2023 stattfindet. Das Thema der Ausstellung ist Sanctuary. Es wird eine Auswahl großer Gemälde aus der Serie The Motherland zu sehen sein.

Derzeit organisiere ich Ausstellungen für die Lusitania-Serie im Jahr 2023 in Zusammenarbeit mit Galerien in Belgien, Liverpool und London. Weitere Informationen folgen demnächst!

Walking in Two Worlds / Cerdded Mewn Dau Fyd ist eine Ausstellung von 20 Künstlern, die zuletzt im August 2022 in Swansea im Rahmen der BEEP Painting Biennial 2022 gezeigt wurde. Wir hoffen, die Ausstellung im Jahr 2023 weiterführen zu können.

Die von dem walisischen Maler Jonathan Powell kuratierte und von mir in Zusammenarbeit mit dem Künstler Julian Rowe konzipierte Ausstellung Walking in Two Worlds bringt Künstler zusammen, die ein gemeinsames Interesse an prähistorischer Kunst, Primitivem, Schamanistischem und Geheimnisvollem haben.