Carolin Kreutzer über die Kunst, die Form auf das Wesentliche zu reduzieren

Designer können von Carolin Kreutzers Arbeiten kaum genug bekommen, und ein Blick auf ihre Bilder genügt, um zu verstehen, warum. In einer Zeit, die von visueller Reizüberflutung und ständigem Informationskonsum geprägt ist, kommt Kreutzer einem zunehmend dringenden Bedürfnis nach Ruhe und Neuausrichtung entgegen. Ihre Gemälde schaffen Raum zum Innehalten und Nachdenken, etwas, das immer seltener wird.

Bei Kreutzer eröffnet die Reduktion neue Möglichkeiten. Mit Licht, Farbe und feinen Verschiebungen in der Komposition schafft sie Bilder, die sparsam wirken und sich dennoch weit über ihren Rahmen hinaus auszudehnen scheinen. In den vergangenen Wochen hat sie an As Far As I Can See gearbeitet, das jetzt auf Rise Art erhältlich ist.

Hier zeigt Kreutzer Aufnahmen vom Entstehungsprozess des Gemäldes und spricht über ihre Arbeitsweise. Ein Einblick in die Schichten, Entscheidungen und die geduldige Aufmerksamkeit hinter ihren begehrten Werken.

Wie übersetzen Sie Gefühle und Gedanken in Farbe und Form?

Meist steht am Anfang ein Gefühl oder eine Frage. Beim Skizzieren und Malen beschäftige ich mich so lange damit, bis es greifbar wird. Dann übersetze ich es in einfache Formen und reduziere immer weiter, bis nur noch das Wesentliche übrig bleibt. Die Form ist das Fundament all meiner Arbeiten.

Die Farbe kommt erst danach, und auch sie reduziere ich. Meist bleibe ich innerhalb einer Farbfamilie und setze mehrere gedämpfte Nuancen davon ein, um Raum entstehen zu lassen. Statt Aufmerksamkeit einzufordern, schaffen die Farben Platz für sie.

Diese Reduktion bringt Ruhe und ermöglicht Konzentration, für mich beim Malen genauso wie für die Menschen, die das Bild betrachten.

Was reizt Sie am meisten an minimalistischer Kunst?

Am meisten reizt mich, dass man mit sehr wenig sehr viel sagen kann. Wenn man etwas auf das Wesentliche reduziert, bekommt das, was bleibt, Gewicht.

Aufmerksamkeit ist kostbar, und vieles, was uns umgibt, nimmt sie sich, ohne zu fragen. Der Minimalismus begegnet ihr mit Respekt. Diese Haltung schätze ich in der Kunst genauso wie im Leben.

Genau das macht für mich „leise Arbeiten“ so spannend. Sie entfalten ihre Präsenz, ohne laut werden zu müssen.

Wie bringen Sie Begrenzung und Harmonie in Ihrer Arbeit in Einklang?

Für mich sind Begrenzung und Harmonie zwei Seiten desselben Prozesses. Meine Formen sind schlicht und zeitlos, und alle haben eine harte Kante. Darin liegt die Begrenzung, und sie schafft die Klarheit, die ich brauche.

Innerhalb dieser Kanten sind die Farben weich und in mehreren Nuancen abgestuft. Wo sich Formen überlagern, verändert sich der Ton und es öffnet sich eine Tiefe, als wären die Formen Räume, in die man hineinschauen kann. Was mich fasziniert und immer wieder antreibt, ist das Spannungsfeld, das daraus entsteht.

Um die Balance zu finden, lasse ich meine Entwürfe Tage oder sogar Wochen ruhen, sehe sie mir dann erneut an und verfeinere sie, bis sie die größtmögliche Harmonie erreichen.

Wie bringen Sie Verspieltheit in Ihre Arbeit?

Das fertige Werk ist klar und strukturiert. Das Spielerische passiert vorher, im Prozess. Ich spiele mit Farbe, suche nach neuen Tönen, fächere sie in Abstufungen auf und beobachte, wie sie in einen Raum hineinwachsen. Ich falte, probiere aus und entdecke immer wieder neue Formen und Überlagerungen. Es ist ein kleines eigenes Universum, das sich mir fortwährend weiter erschließt.

Wer hat Sie am meisten inspiriert oder geprägt?

Meine größte Inspirationsquelle ist das Licht. Bei meinen täglichen Spaziergängen beobachte ich, wie es Farben und Stimmungen verändert, und speichere sie ab. Sie fließen dann in meine Arbeit ein.

Auch andere Künstlerinnen und Künstler haben mich geprägt, vor allem in der Zeit, als ich meinen eigenen Weg gesucht habe, und sie tun es bis heute. Agnes Martin für ihre Reduktion. Josef Albers ist mein größtes Vorbild, wenn es um Farbe geht. Durch ihn habe ich gelernt, dass Farben immer im Verhältnis zueinander wirken, und das erlebe ich jeden Tag in meiner eigenen Arbeit. Und Mark Rothko, weil wir alle wissen, wie überwältigend Farbe vor einem seiner Bilder wirken kann.

Welchen Rat würden Sie Ihrem früheren Ich mit dem Wissen von heute geben?

Als ich vor sechs Jahren mit dem Malen angefangen habe, bekam ich keinen Applaus, sondern viel Gegenwind, selbst aus meinem engsten Umfeld. Ich fühlte mich in eine Rolle gedrängt, die nie zu mir gepasst hat. Es brauchte also schon Mut, überhaupt anzufangen. Rückblickend ist genau daraus meine Malerei mit ihren Themen gewachsen.

Wenn ich mit meinem früheren Ich sprechen könnte, würde ich ihr sagen, sich ihrer eigenen inneren Welt zuzuwenden und weiter auf ihre eigene Stimme zu hören. Denn durch meine Arbeit darf ich heute etwas leben, das ich mir immer gewünscht und nie für möglich gehalten hätte. Natürlich ist das Leben nicht perfekt, aber ich bin hierhergekommen, indem ich still weitergemacht habe, Bild für Bild.

Wo sehen Sie sich und Ihre Arbeit in fünf Jahren?

In fünf Jahren sehe ich mich malen und von meiner Kunst leben. Ich möchte meinen Stil weiterentwickeln und mehr großformatige Arbeiten schaffen.

Ich würde gern weiterhin mit Galerien und an Interior-Projekten arbeiten und meine Werke an neuen Orten zeigen. Da ich sehr gern reise, hoffe ich, unterwegs noch viele davon zu entdecken. Zu den schönsten Seiten meiner Arbeit gehört es, inspirierenden Menschen zu begegnen und zu sehen, was wir gemeinsam erschaffen. Ich hoffe, dass noch viele solcher Projekte folgen, getragen von einem starken Netzwerk, das mich unterstützt.

Am wichtigsten ist mir, einfach weiter malen zu können, mit dem Raum und der Zeit, die es dafür braucht. Das ist heutzutage keine Selbstverständlichkeit, und ich bin sehr dankbar dafür.

Die Frage klingt auf Deutsch ganz natürlich. Wenn Sie wie in der französischen Fassung eine leichtere Variante möchten, passt auch „Und in fünf Jahren?“.