Visionen der Wunder mit Sabrina Brouwers

Wenn ich das Atelier von Sabrina Brouwers betrete, fühle ich mich sofort ruhig. Sofort und ohne Widerstand fühle ich mich von den kantigen Formationen ihrer Werke angezogen, ihren scharfen, verlässlichen Linien und ineinandergreifenden Kreisen sowie den komplementären Räumen, die sie einnehmen. Obwohl ich eine lebenslange Abneigung gegen Geometrie habe, beruhigen mich die Dimensionen ihrer Werke auf seltsame Weise. 

Sie haben einfach etwas... Befriedigendes an sich, bemerke ich zu Brouwers. Das macht Sinn, antwortet sie mit einem Glitzern in den Augen. Brouwers' abstrakte Erkundung der physischen Umgebung resultiert in Kompositionen, die aus elementaren architektonischen Formen bestehen. Diese Formen ermöglichen es ihr, die positiven psychologischen Auswirkungen der visuellen Einfachheit zu erforschen. Als ich Brouwers nach den Wurzeln dieses Interesses frage, führt sie mich in die Gestalttheorie ein. 

Frei übersetzt bedeutet der deutsche Begriff "Gestalt" (ausgesprochen "ge-shtalt") Anordnung oder Formation. Er bezieht sich darauf, wie das Gehirn einzelne Elemente wahrnimmt und zu einem einheitlichen Ganzen organisiert. Diese Organisation, so erklärt Brouwers, bietet eine wissenschaftliche Grundlage dafür, wie die Veränderung von Abständen, Anordnung und Timing die Art und Weise, wie wir Informationen aufnehmen und integrieren, erheblich beeinflussen kann. Beim Betrachten von Kunst sehnt sich unser Verstand ganz natürlich nach Mustern und Einheitlichkeit innerhalb der Komposition. Strukturierte Arrangements fördern daher ein beruhigendes Gefühl von Ordnung und Stabilität.

Trotz der wechselnden Perspektiven, die ihre Werke hervorrufen, bei denen das Auge mit jedem Blick einen anderen Ausgangspunkt, ein anderes Ende und einen anderen Blickwinkel einnimmt, gibt es ein beruhigendes Gefühl der Richtungsabhängigkeit. Inspiriert von Sol Lewitts regelbasiertem Ansatz konstruiert Brouwers ihre akribisch ausgemessenen Raster aus einem fast verborgenen Schatz - wie ein Kreuz. Alle ihre Linien laufen an diesem maßgeblichen Punkt zusammen und bieten eine konstante Referenz inmitten der dynamischen Betrachtungserfahrung. 

Auch wenn diese Werke nicht den traditionellen Definitionen der Figuration entsprechen, betont Brouwers die bewusste Präsenz der menschlichen Form. Inmitten der harten Kanten, scharfen Linien und schlanken Risse taucht etwas Weiches und Menschliches auf, verstärkt durch subtile, von der Künstlerin hinterlassene Schmierspuren, die an menschliche Berührungen erinnern, und ihre bewusste Wahl erdiger, fleischfarbener Farbtöne.

In ihren neuesten Arbeiten verwendet Brouwers gut sichtbares Vinyl. Manchmal sind nur Fragmente des Vinyls zu sehen, während sie in anderen Arbeiten schützende, kokonartige Rahmen um zentrale Elemente bilden, die ein einzigartiges Wechselspiel von Freilegen und Verstecken innerhalb des Kunstwerks bieten. Das Vinylmaterial reagiert dynamisch auf Licht und Winkel, was bedeutet, dass sich sein Aussehen verändert, wenn man sich um die Werke herum bewegt. Am auffälligsten ist dieser Effekt am Abend oder in der Nacht, wenn das Kunstwerk die Lichter der Stadt aufgreift und reflektiert.

Was mich hier verzaubert, ist die Erkenntnis, dass sich ihre Werke auch dann noch weiterentwickeln, wenn Brouwers das Atelier verlassen hat. Ohne die Anwesenheit des Menschen herrschen die Gesetze der Physik, die sie schimmern, sich verformen und das einfallende Licht reflektieren lassen. Unbeeindruckt von der scheinbaren Starrheit dieser gitterartigen Strukturen verharren die Kunstwerke nie in völliger Stille. 

Brouwers kehrt zu den Brennpunkten ihrer Werke zurück und betont die Bedeutung dieser Punkte im Herzen dessen, was sie "Fenster" nennt. Diese Wahl lädt zum Nachdenken über die symbolische Rolle der Augen als Fenster zur Seele in verschiedenen Kulturen ein. Ihre "Fenster" bieten Einblicke in die intellektuellen Tiefen von Visions Of und regen zum Nachdenken über die Erzählungen an, die in den Mauern alltäglicher Strukturen eingebettet sind, und über die anhaltende Präsenz, die sie selbst dann noch haben, wenn sie verlassen oder abgerissen wurden.

Brouwers möchte, dass Teile früherer Schichten sichtbar werden, nicht nur, um die Schichten des kreativen Prozesses offenzulegen, sondern auch, um etwas zu suggerieren, das über das hinausgeht, was auf den ersten Blick zu sehen ist: "Ich schneide und reiße und schabe Teile des Gemäldes von der Oberfläche weg." Dieser Prozess erkennt die Entropie seiner eigenen Konstruktion an und verweist auf die Verwundbarkeit aller vom Menschen geschaffenen Objekte. Wir werden daran erinnert, dass selbst die stabilsten Strukturen irgendwann dem Verfall preisgegeben sind.  

In unserem Gespräch komme ich noch einmal auf den fast medizinischen Charakter dieser mit Fenstern versehenen Arbeiten zurück, insbesondere auf den Akt des Zertrümmerns des Betons, der für den Bau von Trespass I und II erforderlich war. Es überrascht nicht, dass sich einige von Brouwers' jüngsten Arbeiten mit Themen wie Gewalt und Kinetik befassen und Strukturen als Abkehr von der vermeintlichen Sicherheit der Geometrie und Objektivität zerstören. 

Es liegt eine gewisse Erfüllung darin, etwas aufzubauen, um es dann wieder abzubauen und seinen endgültigen Untergang zu akzeptieren - eine Praxis, die an die Prinzipien der Nichtanhaftung erinnert, die in verschiedenen Heiltraditionen zu finden sind. Obwohl Brouwers betont, dass ihre Arbeiten keine spezifische spirituelle Botschaft enthalten, ermutigt sie die Betrachter, ihre eigenen Erzählungen und Interpretationen zu entwickeln. Diese Fenster bleiben offen, um erforscht zu werden; diese Grenzen laden zum Überschreiten und Staunen ein. Was hineinkommt und was herauskommt, bleibt ganz dem Betrachter überlassen.