Nelson Ijakaa: Die Universalität als künstlerische Sprache
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Interviews mit Künstlern

Nelson Ijakaa: Die Universalität als künstlerische Sprache

Nelson Ijakaa, ein engagierter Künstler aus Kenia, erforscht die Kunst als Mittel zur gesellschaftlichen Transformation. Durch Werke, die Archive, Technologien und marginalisierte Erzählungen verbinden, hinterfragt er Machtstrukturen und setzt sich für eine inklusive, universelle und dekolonisierte Perspektive der zeitgenössischen Kunst ein.

Von Sophie Heatley | 15. Jan. 2025

Nelson Ijakaa, ein kenianischer Künstler und Aktivist, hat sich fest an der Schnittstelle von Kreativität, Aktivismus und Technologie etabliert. Von seinen prägenden Jahren in Nairobi bis zu seinem aktuellen Aufenthalt in Hamburg verfolgt Ijakaa konsequent die Idee, dass Kunst nicht nur ein Ausdrucksmittel ist, sondern eine transformative Kraft, die Gesellschaft verändern kann.

Mitten in seinem intensiven Alltag aus Residenzen, Lehraufträgen und Aktivismus war es ein echter Glücksfall, einen Moment zu finden, um mit ihm zu sprechen. Ich war sehr dankbar, dass er sich trotz seiner vielen Verpflichtungen – insbesondere seiner Rolle als Ehrenprofessor an der HFBK Hamburg, wo er dynamische Diskussionen darüber leitet, wie Technologie die bildende Kunst prägt – Zeit nahm, um mit mir über Augmented Reality (AR), künstliche Intelligenz (KI) und die Kraft der Kunst zu sprechen, Machtstrukturen zu hinterfragen und afrikanischen Stimmen Gehör zu verschaffen.

“I want people to look at the work I make and see universality.”
Witu Conservancy II von Nelson Ijakaa (Acryl und Bildtransfer auf Leinwand, 2024,135 x 170 cm)

Unser Gespräch verlief mühelos und streifte Themen von der Unabhängigkeit Kenias – einem zentralen Element seines aktuellen Werkzyklus, der über Rise Art zugänglich ist – bis hin zu seiner Mission, zeitgenössische Galerieräume zu entmystifizieren. Ijakaas Worte, voller Wissen, Leidenschaft und Überzeugung, waren zutiefst inspirierend und hinterließen bei mir einen nachhaltigen Eindruck.

Ich hoffe, diesem Gespräch und seinen vielschichtigen Einsichten gerecht werden zu können. Um Klarheit zu schaffen, habe ich diesen Artikel in mehrere Abschnitte gegliedert, wobei ich die Komplexität und Sensibilität der behandelten Themen berücksichtigt habe. Mit Unterstützung von Ijakaa habe ich die Diskussion so sorgfältig wie möglich zusammengefasst.

Das politische Klima Nairobis und sein Einfluss

Nairobi war schon immer eine Stadt der Gegensätze: ein pulsierendes Zentrum von Kultur und Handel, das von krassen Ungleichheiten und politischer Unruhe überschattet wird. Die Nachwahlgewalt in Kenia, insbesondere nach den umstrittenen Wahlen von 2007 und 2017, hat tiefe Spuren hinterlassen. Diese Ereignisse waren geprägt von weit verbreiteter Gewalt, Korruption und der brutalen Unterdrückung von Protesten. Nairobi, als politisches und kulturelles Epizentrum des Landes, wurde dabei sowohl zum Schlachtfeld als auch zum Ort des Widerstands.

“I want people to look at the work I make and see universality.”
Rechts: Maandamano II (Ölpastell, Acryl und Bildtransfer, 2024, 97,5 x 60 cm) | Links: Galeriebesucher fotografiert Maandamano II

In den Slums der Stadt entstanden soziale Gerechtigkeitszentren, die marginalisierten Gemeinschaften einen Raum boten, um sich zu organisieren, Gehör zu finden und zu heilen. Diese Räume spielten eine zentrale Rolle in Ijakaas künstlerischem Erwachen und verbanden ihn mit den Gemeinschaften, die später viele seiner Werke inspirierten. Eine prägende Erfahrung war seine Arbeit in Mukuru, einem der größten Slums Afrikas, an der Seite seines Mentors Patrick Mukabi im GoDown Art Centre. Mukabis Atelier war ein Zufluchtsort, an dem Menschen aus allen Gesellschaftsschichten Kunst schaffen konnten. „Ich war tief bewegt von den Lebensumständen der Menschen“, sagt er. „Meine Zeit dort ließ mich erkennen, dass dieses sogenannte erfolgreiche Land nicht wirklich für seine Bürger sorgt.“

Diese Nähe zu Mukuru prägte Ijakaas Verständnis von Kunst als Mittel des sozialen Wandels. „Ich habe mich gefragt: Was kann ich zu dieser Diskussion beitragen? Was kann ich tun, um zu helfen?“ Beeindruckt von der alltäglichen Resilienz der Bewohner Nairobis setzte er sich das Ziel, mit seiner Kunst die Geschichten derjenigen zu humanisieren und zu verstärken, die von der Gesellschaft übersehen werden.

Im obigen Video beschreibt Nelson Ijakaa in seiner gemeinsamen Ausstellung African Heroes (2021) mit dem Künstler Rich Allela, was ein wahrer Held für ihn ist. Bei der Ausstellung konnten die Besucher ihre iPhones benutzen, um die ausgestellten Fotos und Gemälde mit AR zum Leben zu erwecken.

Maandamano II (Ölpastell, Acryl und Bildtransfer, 2024, 97,5 x 60 cm) und The Crucifixion; (Maandamano) (Acryl und Bildtransfer, 2024, 140 x 191 cm) sind Teil eines kürzlich entstandenen Werkzyklus, der Kenias 60 Jahre Unabhängigkeit gewidmet ist. „In diesen Arbeiten analysiere und kritisiere ich, was es bedeutet, heute in einem unabhängigen Kenia zu leben, und stelle die aktuelle Realität dem Geist des Optimismus gegenüber, der die unmittelbare Nach-Unabhängigkeitszeit prägte. Ich nutze Archivmaterialien, darunter freigegebene Dokumente und Zeitungsausschnitte, um eine vergleichende Erzählung über die Erfahrungen des Landes in den letzten sechs Jahrzehnten zu schaffen.“

“I want people to look at the work I make and see universality.”
The Crucifixion; (Maandamano) von Nelson Ijakaa (Acryl und Bildübertragungen, 2024, 140 x 191 cm)

Die Porträtierten sind junge Menschen aus Anidan, einem Waisenhaus in Lamu, Kenia, wo Ijakaa während einer Residenz im Jahr 2019 unterrichtete. „Für mich“, betont Ijakaa, „symbolisieren diese jungen, oft vergessenen Individuen das Versagen des Staates, seine gesellschaftlichen Pflichten zu erfüllen.“

Schattenkunst: Ein Licht auf das Unsichtbare werfen

Eines von Ijakaas kraftvollsten Projekten war die Verwendung von Schattenkunst, um Polizeigewalt in Nairobi sichtbar zu machen. In Kenia ist die Straflosigkeit von Sicherheitskräften eine wiederkehrende Tragödie. Außergerichtliche Hinrichtungen, bei denen junge Männer verhaftet, verschwinden und später tot aufgefunden werden, sind in wirtschaftlich benachteiligten Gebieten keine Seltenheit. „Die Menschen hatten sich daran gewöhnt, Leichen auf den Straßen zu sehen“, erinnert sich Ijakaa.

Mit zerbrochenen Acrylplatten, die er aus den verschmutzten Flüssen Nairobis rettete, schuf er Skulpturen, die eindringliche Schatten warfen. „Diese Flüsse sind Orte, an denen Abfälle entsorgt werden – und tragischerweise auch Menschen“, sagt er. Die Schatten, die seine Installationen erzeugten, waren verstörend und zwangen die Betrachter, den Kontext zu verstehen. Sensoren lösten Lichter aus, die beim Näherkommen die vollständige Erzählung offenbarten und eine intime, konfrontative Erfahrung schufen.

Nelson Ijakaa: “I want people to look at the work I make and see universality.”
Lalamika I von Nelson Ijakaa (Acryl und Bildübertragungen, 2024, 113 x 146 cm)

Dekolonisierung der KI: Eine neue Form des Aktivismus

Heute lebt Ijakaa zwischen Arusha, Nairobi und Hamburg und widmet sich in seinen Lehrveranstaltungen den ethischen Fragen von KI und AR. Er zeigt auf, wie diese Technologien Kreative stärken, aber auch ausbeuten können. Seine Position ist eine Balance aus Optimismus und Vorsicht. Während er KI als Werkzeug für künstlerischen Ausdruck begrüßt, warnt er vor ihrem Missbrauch, den er als „neue Form der Kolonialismus“ bezeichnet.

„Wenn KI unethisch eingesetzt wird, wird sie zu einer neuen Form der Ausbeutung“, erklärt er. Während einer Zusammenarbeit mit Greenpeace zur Dekolonisierung visueller Bilddatenbanken stieß er auf die Grenzen von KI-Systemen, die auf westlich zentrierten Archiven basieren. „Wenn man zum Beispiel ‚Schnee in Nairobi‘ eingibt, sieht man ein Bild von Paris“, erinnert er sich. Ziel des Projekts war es, repräsentativere Datensätze zu erstellen, die zeigen, wie Nairobi – oder jede andere afrikanische Stadt – in realistischen oder hoffnungsvollen Szenarien aussehen könnte.

“I want people to look at the work I make and see universality.”
Witu Conservancy von Nelson Ijakaa (Acrylfarben und Bildtransfer auf Leinwand, 2024,135 x 170 cm)

Kunst für alle zugänglich machen

Ijakaas Arbeit zielt darauf ab, Kunst zugänglicher zu machen und Barrieren in traditionellen Kunstinstitutionen abzubauen. „Ich möchte Systeme aufbrechen, die Menschen von Kunst ausschließen“, sagt er. „Kunst ist für alle da, nicht nur für diejenigen, die es sich leisten können, ihre Tore zu durchqueren.“

Bei einer seiner eigenen Ausstellungen in Nairobi erschien Ijakaa einmal ohne formelle Kleidung, mit offenen Dreadlocks, und wurde am Eingang von Sicherheitskräften gestoppt, die annahmen, er sei nicht auf der Gästeliste. Nach einem peinlichen Austausch, in dem er beweisen musste, dass er der Künstler war, durfte er schließlich an seiner eigenen Ausstellung teilnehmen. Doch typisch für Ijakaas einfühlsame und aufmerksame Natur lud er die Wachleute kurz darauf in den Ausstellungsraum ein und führte sie persönlich durch die Schau.

Als er diese Erfahrung schilderte, betonte er, dass das Missverständnis und die Annahmen nicht die Schuld der Wachleute waren, sondern vielmehr ein Abbild „der Machtstrukturen, die in der Kunstwelt herrschen“. Anstatt entmutigt zu sein, motivierte ihn dieser Moment umso mehr, sicherzustellen, dass alle Ausstellungsräume, an denen er beteiligt ist, auch Menschen willkommen heißen, die sich in Galerien möglicherweise unerwünscht fühlen. Der Künstler strebt leidenschaftlich danach, alle einzubeziehen, die den Dialog suchen, und bringt es so auf den Punkt: „Ich möchte, dass die Menschen meine Werke ansehen und Universalität darin erkennen.“

Auf dem Weg zu einem neuen Kanon der afrikanischen Kunst

Aus diesem Grund betont Ijakaa die Notwendigkeit, den globalen Kunstkanon neu zu schreiben. Warum, fragt er, dominieren Figuren wie Picasso und Matisse immer noch die Kunstgeschichte, während ebenso bahnbrechende afrikanische Künstlerinnen weitgehend unbekannt bleiben? Es ist kein Wunder, dass sich Menschen in Räumen, in denen sie nie repräsentiert wurden, nicht willkommen fühlen. „Afrikanische Künstlerinnen haben schon immer existiert“, betont er. „Es ist an der Zeit, dass ihre Stimmen gehört und ihre Kunst erlebt wird.“

Nelson Ijakaa: “I want people to look at the work I make and see universality.”
Nelson Ijakaa im Artist in Residence-Raum während der Graduate Show 2023, Hamburg | Photography Credits: Tim Albrecht

Er stellt sich eine Zukunft vor, in der Künstler*innen aus Subsahara-Afrika als integrale Beitragsleistende zur globalen Kunstgeschichte gefeiert werden und nicht bloß als exotisierte Randnotizen. „Meine Mission ist es sicherzustellen, dass die Kunst dieser Region nicht vergessen wird, sondern erinnert wird und andere bildet“, sagt er.

Eine andauernde Vergangenheit

Der Prozess hinter Miaka Sitini II, das Teil eines Diptychons ist, beinhaltete das Sammeln von Zeitungsausschnitten und Dokumenten aus der Zeit unmittelbar nach Kenias Unabhängigkeit. Diese Materialien, die auch in Miaka Sitini III, verwendet wurden, spiegeln die Hoffnungen und Träume einer neu unabhängigen Nation wider, zusammen mit den frühen Herausforderungen und Komplexitäten. In Miaka Sitini II, wird dieses Archivmaterial zeitgenössischen Nachrichten gegenübergestellt, um eine Reflexion darüber anzuregen, was sich in den letzten 60 Jahren verändert hat – und was geblieben ist.

“I want people to look at the work I make and see universality.”
Miaka Sitini II von Nelson Ijakaa (Acrylfarben, Sisalgewebe, Sprühfarbe und Bildtransfer auf Leinwand, 2023, 130 x 190 cm)

„Das Bild der Hauptfigur wird zusammen mit dem Archivmaterial auf die Leinwand übertragen, während der Hintergrund in dunklen Acrylfarben gemalt wird“, erklärt Ijakaa. „Monstera-Blätter, die oft mit tropischen Wäldern assoziiert werden, umgeben die Figuren. In diesem Kontext symbolisieren die Blätter die Komplexität und die verborgenen Schichten des Themas, indem sie die Bildübertragungen teilweise verdecken und die Tiefe und das Geheimnis eines tropischen Waldes hervorrufen.“

Eine multisensorische Zukunft

Heute bleibt Ijakaas Praxis zutiefst multidisziplinär. Von Schattenkunst über Videoinstallationen, Holzschnitte bis hin zu Bildübertragungstechniken – seine Werke trotzen den Beschränkungen eines einzigen Mediums. „Es gibt so viel Druck, einen eigenen, unverwechselbaren Stil zu haben, aber ich glaube daran, mich organisch weiterzuentwickeln“, sagt er.

“I want people to look at the work I make and see universality.”
Rechts:  Miaka Sitini III von Nelson Ijakaa (Ölfarben, Acrylfarben und Bildtransfer, 2024, 143 x 106 cm) | Links: Detailaufnahme von Miaka Sitini III

Mit Nairobis jungen, politisch engagierten Künstler*innen, die sich gegen staatliche Repressionen wehren, sieht Ijakaa Hoffnung. Die Galerieszene der Stadt ist zu einem Raum für herausfordernde, provokative Arbeiten geworden, die oft Tabuthemen wie Queerness und systemische Gewalt ansprechen. „Die kreative Produktion in dieser Zeit ist bedeutend“, sagt er. „Sie spiegelt die Resilienz und den Geist der Menschen wider.“

Während Nelson Ijakaa weiterhin Grenzen in Kunst und Bildung überschreitet, erinnert uns seine Arbeit daran, dass Kreativität nicht nur ein Akt des Selbstausdrucks ist, sondern ein Katalysator für Wandel. Ob er KI dekolonisiert oder die Geschichten der marginalisierten Gemeinschaften Nairobis verstärkt – Ijakaa verändert das Verständnis der Welt davon, was Kunst sein kann und sein sollte.

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