Technique aussi ancienne qu’universelle, la peinture aquarelle était présente aux premiers temps de l’art et a su réunir artistes asiatiques et européens au fur et à mesure des siècles.
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Naissance d’une peinture de transparence
Les toutes premières utilisations de l’aquarelle remontent à l’époque du Paléolithique, pour représenter la vie quotidienne sur les parois des grottes. Mais c’est dans un premier temps en Asie que la technique va se développer, soit à travers l’art naissant de la calligraphie, soit pour peindre des portraits ou des paysages. Les pigments naturels d’Asie de l’Est sont alors dans les tons bruns.
En Europe, au Moyen Âge, c’est pour enluminer avec minutie les manuscrits que des moines érudits l’utilisent couramment. À partir de la Renaissance, la fabrication du papier se développe et cette technique appréciée des artistes pour sa transparence, sa luminosité et sa facilité de transport. Le papier aquarelle devient le médium par excellence pour représenter la nature dans ce qu’elle a de plus fugitif : la lumière et les couleurs.
Au 19ᵉ siècle, plusieurs artistes anglais s’emparent de la technique aquarelle et parmi eux William Turner. Deux techniques coexistent alors : celle du pinceau mouillé, classique, souvent associé à la gouache, et celle du pinceau sec, qui permet des intensités de couleurs plus fortes et l’obtention de surfaces striées.
Mouvements artistiques et artistes célèbres liés à la peinture aquarelle
Si la peinture aquarelle était la technique utilisée dans les grottes pendant la Préhistoire, ses auteurs en sont restés anonymes, tout comme les moines du Moyen Âge qui l’utilisaient pour leurs enluminures. Les premiers peintres aquarellistes célèbres se trouvent en Chine, entre le 13ᵉ et le 15ᵉ siècles. Ces maîtres dans l’art du paysage ont apporté finesse et subtilité à cette technique à travers de grands noms comme Huang Gongwang, Wang Meng et Shen Zhou.
En Corée, au 18ᵉ, c’est Jeong Seon, de l’école du sud, qui fait progresser la technique de la peinture aquarelle en proposant de sortir de son atelier pour peindre des paysages plus réalistes, comme L’éclaircie du Mont Inwang après la pluie (1751).
En Europe, c’est d’Angleterre au 9ᵉ siècle que l’innovation va venir en la personne de Joseph Mallord William Turner. Ce jeune peintre talentueux fait de l’aquarelle le médium privilégié pour transmettre la lumière et représenter des paysages, innovant dans la technique pour atteindre un nouveau degré de transparence et de lumière. Citons en exemple les œuvres d’art : Bolton Abbey, Yorshire (1825), Scène Bord de Loire (1828) ou Heidelberg (1945).
Une technique qui se modernise
Cependant, bien d’autres artistes se sont illustrés à travers des œuvres qui ont fait date, comme la toile Nature Morte au pot bleu (1906) de Paul Cézanne ou les paysages de Winslow Homer. La Première aquarelle abstraite (1910) de Vassily Kandinsky démontre avec brio que cette peinture ne se cantonne pas qu’aux paysages.
On pourra citer dans ce sens la série Blue (1916) de Georgia O’Keeffe. Les aquarelles extra fines se marient aussi très bien avec d’autres techniques : la gouache ou la peinture à l’huile. La magie des poissons (1925) de Paul Klee en témoigne très bien et nombreux sont les artistes qui s’y sont adonnés : Marc Chagall, Edward Hopper et Helen Frankenthaler pour ne citer que les plus célèbres.
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À travers ses tableaux de paysages à l'aquarelle, où les vagues, les rochers, les montagnes et les forêts se mêlent, Anne Huet-Baron tente de capturer le romantisme de la nature, dans toute sa tragédie et sa violence, ainsi que sa douceur et sa fusion. Ses fleurs symbolisent la beauté éphémère de la vie, tandis que ses personnages évoquent parfois des légendes anciennes, créant un univers complet. Utilisant une technique de peinture fragmentée, inspirée du réel, mais portée par le rêve, elle confère à ses œuvres une touche contemporaine, flirtant avec l'abstraction grâce aux effets de matière singuliers qu'elle recherche.
Elizabeth Becker travaille principalement à l'aquarelle, séduite par sa spontanéité et son immédiateté, qui l'ont amenée à embrasser l'instant présent, à lâcher prise et à valoriser les imperfections. Ses œuvres explorent les émotions, la condition humaine et notre connexion spirituelle avec la nature.
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Sylvia Baldeva privilégie l'aquarelle et l'encre dans sa pratique artistique, créant des œuvres spontanées où les émotions et les sensations s'expriment pleinement. À travers des esquisses au noir profond, des portraits aux couleurs pastel, ou des représentations d'animaux et de paysages, son travail révèle un univers poétique, expressif et délicat.
