Ihr Werk nutzt Collage, Verschiebung und Neuzusammensetzung – Methoden, die oft mit Fragmentierung
Wenn ich ein Gemälde schaffe, denke ich oft darüber nach, Räume zu konstruieren und zu dekonstruieren. Manchmal sind es Orte, die ich kenne, manchmal vollständig imaginierte. Dieser Prozess spricht für die Fehlbarkeit der Erinnerung, was ich sehr interessant finde.
Können Sie uns durch Ihren Schaffensprozess führen, wenn Sie ein Gemälde konstruieren? Beginnen Sie mit einem bestimmten Objekt oder einer Erinnerung, oder entwickelt sich die Komposition eher intuitiv?
Meistens arbeite ich sehr intuitiv. Ich beginne normalerweise damit, ein paar Linien oder Formen zu zeichnen, die die Komposition beeinflussen, und dann lasse ich das Gemälde sich entwickeln. Das Werk wächst und verändert sich dramatisch vom Anfang bis zum Ende.
Sie arbeiten hauptsächlich mit Öl, doch Ihre Kompositionen wirken oft skulptural und architektonisch. Wie denken Sie über Raum und Tiefe in Ihrer Malpraxis?
Ich gehe ein Gemälde immer so an, als würde ich einen Raum schaffen; ich möchte, dass der Betrachter das Gefühl hat, in diese alternative Realität eintreten zu können. Das ist der Reiz der Arbeit mit einem zweidimensionalen Medium – zu erforschen, wie man einen Raum erschaffen kann, der physisch nicht existiert, ist eine Herausforderung, die mich nie langweilt.
In Ihrer Einzelausstellung „My Room Is Not My Room“ hinterfragen Sie den Raum als stabilen, persönlichen Ort. Was hat Ihr Interesse an den psychologischen Dimensionen häuslicher Innenräume geweckt?
Wie jeder habe ich Zeiten in meinem Leben erlebt, die weniger stabil waren als andere. Ich denke oft über die Räume nach, die diese Zeiten geprägt haben, und darüber, woran ich mich festgehalten habe, um ein Gefühl der Stabilität zu schaffen. Oft war das mein Zimmer oder mein Bett. Es ist so natürlich und menschlich, Sicherheit im Schutz zu suchen, daher konzentriere ich mich gerne auf diese tröstlichen Objekte in meiner Arbeit.
Wie sehen Sie die Beziehung zwischen Objekten und Identität in Ihrer Arbeit? Nehmen die Vorhänge, Kissen und Pflanzen in Ihren Gemälden symbolische oder emotionale Rollen ein?
Ich würde nicht sagen, dass diese Objekte notwendigerweise mit Identität verbunden sind, sondern eher Symbole des Komforts darstellen. Ich interessiere mich dafür, wie solche Objekte ein Gefühl der Sicherheit hervorrufen können und ob ihre Darstellung in abstrakter oder unkonventioneller Weise dieses Gefühl verändern oder sogar herausfordern kann.
Ihr Werk wirft die Frage auf, ob ein Raum noch jemandem „gehören“ kann, wenn er mit Erinnerung, Kultur und Wahrnehmung überlagert ist. Sehen Sie Ihre Gemälde als eine Art geteilte psychologische Architektur?
Ja, das tue ich! Obwohl ich oft auf persönliche Räume aus meinem eigenen Leben Bezug nehme, liebe ich es, Texturen und Motive zu verwenden, die erkennbar sind. Ich mag die Idee, dass der Betrachter seine eigenen Erfahrungen auf das Werk projizieren und sich auf persönliche Weise damit verbinden kann.
In dem Werk „Gold Velvet“ fungiert der Vorhang wie ein theatralischer Vorhang – teils Barriere, teils Einladung. Was hat Sie an der theatralischen Metapher gereizt, und wie beeinflusst sie den Rest der Ausstellung?
Ich liebe es, Vorhänge in meiner Arbeit zu verwenden, weil sie je nach Kontext und Betrachter unterschiedliche Bedeutungen annehmen können. Ob in unseren eigenen Häusern oder auf einer Bühne, sie dienen dazu, uns zu schützen und andere fernzuhalten, auch wenn nur kurzzeitig. Mit der Idee des Theaters zu spielen, macht immer Spaß und stellt unser Verständnis dessen, was real ist, weiter in Frage.
Häusliche Objekte werden in Ihrer Arbeit zu visuellen Signifikanten statt zu funktionalen Gegenständen. Gibt es in Ihrer Arbeit eine Spannung zwischen Dekoration und Funktion oder zwischen Betrachten und Bewohnen?
Ich bin mir nicht sicher, ob es in meiner Arbeit eine direkte Spannung zwischen Dekoration und Funktion gibt, obwohl ich denke, dass dies eine zentrale Frage in der Design- und Architekturgeschichte ist, die ich sehr interessant finde. In verschiedenen Epochen haben Künstler und Handwerker das eine über das andere gestellt oder versucht, beides zu vereinen, und ich liebe es, beide Seiten zu erkunden.
Gibt es bestimmte Innenräume – real oder imaginär –, die einen bleibenden Eindruck bei Ihnen hinterlassen und dieses Werk beeinflusst haben?
Mein Elternhaus in New York ist wahrscheinlich der einflussreichste Raum, auf den ich Bezug nehme. Der Ort, an dem wir unsere prägenden Jahre verbringen, ist untrennbar mit dem verbunden, was wir sind, und diese Umgebung hat wirklich beeinflusst, wie ich Raum angehe und ihn in meiner Kunst nutze.
Wie bewusst setzen Sie Mehrdeutigkeit als Strategie ein? Interessieren Sie sich dafür, den Betrachtern Interpretationsspielraum zu lassen, um ihre eigenen Erinnerungen oder Assoziationen zu projizieren?
Auf jeden Fall. Wenn ich ein Gemälde schaffe, habe ich keine feste Vorstellung davon, was der Betrachter denken oder fühlen soll. Ich schaffe Räume, die ich faszinierend und ansprechend finde, und ich möchte, dass der Betrachter seine eigene persönliche Erfahrung mit diesen Räumen macht, unabhängig von meinen ursprünglichen Absichten.