La place de l’art dans la vie des curateurs, écrivains, designers et collectionneurs, au cœur de leurs espaces les plus personnels.

Stephanie Hunt est la fondatrice et directrice artistique du cabinet de design et de la marque lifestyle The Flairhunter. Forte de plus de vingt ans d'expérience, cette designer reconnue par Architectural Digest est réputée pour son esthétique colorée, sa recherche artistique personnalisée et son utilisation de pièces sur mesure et vintage. Les villas modernistes des années 50 de Palm Springs, les ranchs du Wyoming, les marchés aux puces parisiens et les graffitis de bord de mer ont nourri son éducation et façonné sa sensibilité si singulière.
Le voyage et les récits du monde entier occupent une place importante dans votre philosophie du design. Comment sélectionnez-vous l'art pour capturer à la fois un lieu et une personnalité dans un seul espace ?
J'imagine d'abord les murs, bien avant de penser aux meubles. C'est ancré en moi : j'ai été élevée par une artiste, mes parents comme mes grands-parents étaient de grands collectionneurs. C'est dans mon sang. L'art ne doit jamais se limiter à assortir les couleurs. Il faut qu'un espace ait du sens, qu'il soit cohérent. Alors, même si je veille à ce que les couleurs se complètent, c'est toujours pour créer un véritable ensemble plutôt qu'un simple accord de couleurs.
Le voyage et les récits du monde sont au cœur de ma marque, mon histoire et mon esthétique. J'encourage mes clients qui partagent cette sensibilité à visiter des galeries en voyage, à acheter les œuvres qu'ils aiment et à les faire expédier chez eux. Je leur dis aussi de ne pas trop se soucier de l'endroit précis où chaque pièce ira. L'important, c'est qu'une fois rentrés, ces œuvres ravivent les souvenirs d'un lieu, d'un moment.
Vivez avec ce que vous aimez, sans trop vous demander si « ça va bien ». Tant que cela vous parle et que les couleurs s'harmonisent, l'art peut raconter toute une histoire.
Comment composer un mur qui ait de la présence ? Quel est le juste équilibre entre sobriété et caractère quand l'art guide le design ?
J'adore les compositions de plusieurs œuvres sur un seul mur. Mais attention, accumuler n'est pas toujours la solution. Une collection dense peut être puissante, comme elle peut devenir confuse et visuellement étouffante. J'aime l'espace autour de chaque pièce, ce vide qui permet aux œuvres de respirer et d'exister pleinement. À l'inverse, si les œuvres d'un ensemble sont trop espacées, l'harmonie se brise. Pour moi, il n'existe pas de formule magique. C'est une question d'intuition.
Si je propose une grande toile abstraite pour ancrer une pièce, j'aime souvent l'équilibrer avec une composition à proximité, peut-être un trio d'œuvres plus petites, figuratives ou abstraites, disposées de façon asymétrique mais visuellement équilibrée sur les murs environnants.
Équilibre et retenue peuvent absolument coexister avec la personnalité. Si je travaille avec une petite œuvre aux touches délicates et subtiles, je la place dans un espace où on peut l'observer de près, sinon elle passe inaperçue. Par exemple sur le mur d'un cabinet de toilette près d'une vasque, ou même au-dessus des toilettes. Ou encore dans une composition de couloir ou au-dessus d'une console avec des lampes et des objets, intégrée à un ensemble décoratif.
Si je travaille avec une œuvre abstraite forte, aux couleurs vives et aux coups de pinceau expressifs, j'ai tendance à ne pas accrocher d'autres œuvres trop près. De cette façon, elles peuvent briller seules. En revanche, je reprends une ou deux de ses couleurs dans le mobilier, par exemple avec des fauteuils en mohair ou en velours, pour prolonger cette énergie dans tout l'espace.
Comment guidez-vous vos clients vers une collection et une mise en scène d'œuvres ou de mobilier qui soient à la fois intemporelles et intimement révélatrices de qui ils sont ?
L'essentiel, c'est de ne pas trop se préoccuper de savoir si quelque chose est « à la mode » ou de l'endroit précis où ça ira. Si une pièce leur parle vraiment, j'encourage mes clients à suivre cet instinct et à l'acheter.
Est-ce que ça leur rappelle un membre de la famille ? Une nature morte de leur fruit préféré ? Un petit tableau représentant un ours en peluche qui évoque leurs enfants aujourd'hui grands ? Ce type de pièces fait partie intégrante du vocabulaire familial, elles disent aux visiteurs qui ils sont. C'est profondément personnel, mémorable et chargé de sens.
Ne vous souciez pas trop de savoir si quelque chose est « intemporel ». À mes yeux, le véritable art traverse toujours les époques. Les styles de meubles vont et viennent, mais une œuvre magnifiquement encadrée ne perd jamais sa force ni son impact.

Objets silencieux by Marie-Astrid Grivet
« J'adore la façon dont Objets silencieux mêle abstraction et nature morte, avec ses formes épurées, ses couleurs riches et ses aplats colorés. C'est clairement une œuvre contemporaine, mais elle pourrait tout aussi bien avoir été transmise de génération en génération ou dénichée lors d'un voyage à l'étranger. J'adorerais créer un intérieur autour de cette œuvre : des murs en plâtre ou tapissés de graphite foncé, un immense luminaire Noguchi, des canapés en velours ou mohair vert émeraude, quelques touches de laque noire, bleu cobalt, rose poudré et merlot... »
– Stephanie Hunt
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